Archives de Catégorie: C. Grand-Est (Alsace Lorraine Champagne-Ardenne)

18ème. Brasser à Strasbourg, Paris

18ème siècle. Brasseries à Strasbourg et Paris.

Partie 1. Brève Histoire de la Bière, du 15ème au 19ème siècle. Sources : blog Brewnation et Wikipédia.

Du développement de l’activité brassicole. L’année 1446 est décisive pour la bière. Jusque là la bière était avant tout considérée comme un substitut au vin produit en quantité en Alsace. Si le vin venait à manquer, le public se tournait logiquement vers la bière.

La bière continue donc son développement et, au 16ème siècle, on compte six brasseries dans la ville de Strasbourg. Elles produisent 1 300 hectolitres de bière.

Au 18ème siècle, on recense jusqu’à 300 brasseries artisanales en Alsace.

1775. De la culture du Houblon (source). Les premiers plants de houblon domestique sont apparus en Alsace, dans le secteur d’Oberhofen-sur-Moder vers 1775, sous l’impulsion d’un ecclésiastique féru de botanique : le pasteur Charles Ehrenpfort. Il crée du même coup un véritable marché local. Mais c’est François Derendinger, un brasseur allemand du Pays de Bade voisin installé à Haguenau, qui va lancer les houblonnières modernes en Alsace. Après plusieurs tentatives avec des houblons bavarois, c’est finalement un houblon de la région de Saaz qui sera retenu. Derendinger rapporte 800 plants de Bohême, qui vont constituer la souche initiale du houblon alsacien. Les premières parcelles apparaissent à Haguenau en 1808.

De la distribution de la bière (source). Chacune des brasseries disposait d’un débit pour la vente directe de bière. Elle était vendue sur place ou dans les débits de boisson à proximité de la brasserie.

De la corporation des brasseurs (source). Vers le milieu du 17ème siècle, la rumeur publique prétendit que la levure de bière que les brasseurs vendaient aux boulangers était mauvaise et empoisonnait le pain. Mais les brasseurs sortirent vainqueurs et ils continuèrent à avoir le monopole de la vente de la levure… On pouvait interdire de brasser les années de disette pour garder les céréales pour l’alimentation: en 1693 par exemple. En temps ordinaire, on ne pouvait faire par jour, dans chaque brasserie, qu’un seul brassin de quinze setiers de farine maximum. Le brasseur devait, à chaque brassin, avertir le commis de la perception de l’heure où il mettait le feu sous la chaudière, sous peine d’amende et de confiscation… A la fin du 18ème siècle, la corporation était dirigée par trois jurés ou gardes. L’apprentissage durait 5 ans, faire trois ans de compagnonnage et réaliser un chef-d’œuvre avant de devenir maître… À partir de 1783, les brasseurs sont autorisés à brasser toute l’année.

De la révolution : elle établit la liberté de brasser. Cela tente apparemment pas mal de Strasbourgeois puisque entre 1789 et 1795, 24 nouvelles brasseries se créent.

La brasserie devient le fruit de l’activité de grandes familles protestantes (une cinquantaine alors). Dès lors, la recherche de bénéfices allait promouvoir le secteur.

19ème siècle. Deux évènements majeurs vont révolutionner la distribution de la bière: l’invention de la fermentation basse grâce au travail sur les levures de Louis Pasteur et le développement des moyens de transport.

Partie 2. Trois Brasseries fondées au 18ème siècle

Schutzenberger : fondée en 1740 dans le quartier de la Krutenau à Strasbourg, elle devient brasserie royale sous Louis XV et Louis XVI.

La Révolution la renomme Grande brasserie de la Patrie.

Brasserie de l’Espérance : fondée en 1746 à Strasbourg;

Source. Nicolas Stoskopf, Les Hatt, une dynastie de brasseurs strasbourgeois de 1664 aux années 1980.Vandelle Éditions, 2018, 9. Hal Open Science

« Le second fils de Jérôme V et Catherine Goll, Jean Hatt (1720-1753), est le fondateur en 1746 de la Brasserie de l’Espérance (Zur Hoffnung). Quand Jean a, conformément à la tradition – et devançant d’un an son frère aîné – réalisé et présenté son chef-d’œuvre en tonnellerie, il postule à la maîtrise en 1745. Sa requête est une première fois rejetée en août de la même année au prétexte qu’il ne possédait pas de brasserie, puis finalement satisfaite le 20 janvier 1746.

C’est qu’il a entre-temps, le 20 décembre 1745, acquis d’Anne Catherine, née von Herff, veuve d’Antoine Vogler, intendant général de la Commanderie des chevaliers teutoniques à Andlau, un immeuble situé à l’angle de la rue des Veaux et de la rue de la Pierre-Large pour un montant de 2 250 livres de Strasbourg. Constitué d’une maison sur rue, d’une autre sur l’arrière, de deux cours et d’une ferme, Jean y a obtenu du Conseil des XV un permis d’installation d’une brasserie contre versement de deux contributions pour un total de 120 livres. Quelques jours auparavant, le 4 décembre 1745, Jean Hatt vendait à Marie Ève. Cousteau, épouse du lieutenant d’artillerie Antoine Cousteau, la maison de l’Oie d’or, place Saint-Étienne, et une maison mitoyenne avec cour sur la rue des Pucelles, l’ensemble pour 1 228 livres de Strasbourg. La maison mitoyenne était d’ailleurs une acquisition récente dont l’achat remontait seulement au 29 juillet de la même année. Tout porte à croire que cette vente est directement motivée par l’acquisition de l’immeuble de la rue des Veaux, sans doute mieux adapté à son projet de brasserie.

Le 12 novembre, Jean emprunte auprès du brasseur strasbourgeois Jean-Georges Klein 1 750 livres de Strasbourg à 4 % d’intérêt. Le débiteur donne en gage la Brasserie de l’Espérance avec tout son matériel et les droits attachés. Son beau-frère, le forgeron strasbourgeois Jean Conrad Heyl, se porte caution solidaire sur ses biens propres.

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L’Art Brut et la Collection Wurth

Art Brut. Un dialogue singulier avec la collection Würth.

Le musée Würth d’Erstein a ouvert ses portes en 2008 à côté du nouvel établissement de la firme allemande.

Mon épouse et moi sommes arrivés à Strasbourg en juillet 2009. Nous avons visité et photographié la plupart des expositions Würth  d’Erstein… Mais le joyau de la Collection se trouve en Souabe.

Partie 1. Würth. Exposition dans la Chapelle Saint-Jean de Schwäbisch Hall (Bade-Wurtemberg) et quatre expositions à Erstein (Bas-Rhin).

20 septembre 2019. Escapade culturelle dans le berceau historique de la firme à Schwäbisch Hall (Bade-Wurtemberg). 

2011. Première exposition visitée au musée Würth d’Erstein : celle consacrée à Anselm Kiefer

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28 novembre 2015. Fernando Botero, 30 ans en 1962. Adam et Eve, 1998

2 mars 2018. 1940. Hélène de Beauvoir a 30 ans. Autoportrait, 1955

29 janvier 2020. Guimaraes, collectionneur d’Art africain

Partie 2. Art brut. Un dialogue singulier avec la collection Würth. Source : présentation de l’exposition sur le site du musée.

Diaporama de 44 photos

Emil NOLDE (1867-1956). Vieil homme barbu et jeune femme (1930-1931)

« Avec l’exposition Art brut. Un dialogue singulier avec la Collection Würth, le Musée Würth propose à ses visiteurs d’emprunter un chemin inhabituel, celui d’un art collecté d’abord dans les institutions psychiatriques, puis découvert chez des autodidactes, souvent en marge de la société.

L’exposition couvre une large période, du début du XXe siècle jusqu’à nos jours, autour d’une cinquantaine d’artistes bruts, aussi dits non-professionnels. Une telle expression artistique individualisée germe la plupart du temps sur le terreau de l’isolement social, affectif ou économique, les auteurs n’ayant jamais constitué d’eux-mêmes un mouvement ou un groupe. Poussées par une nécessité intérieure puissante, dans un contexte asilaire et précaire, ces pratiques du dessin, de la peinture ou encore de l’assemblage se révèlent être, tels des soins auto-prodigués, de véritables actes existentiels de création et des témoignages de vie singuliers.

Si dès le début du XXe siècle, ces œuvres sont remarquées et collectées dans les institutions psychiatriques par des médecins avertis, elles ont ensuite, dans les années 1920, intéressé et attiré les surréalistes, puis été récupérées, à l’aube de la Deuxième Guerre mondiale, par l’idéologie nazie pour alimenter la propagande autour de l’art dégénéré.

Ce n’est qu’en 1945 que l’artiste Jean Dubuffet théorise le concept d’Art brut, pour remettre en question la définition même de l’art au sortir d’un conflit mondial dévastateur. Depuis, d’autres désignations ont été imaginées et discutées : art singulier, art hors les normes, Outsider Art ou art populaire« .

Jean DUBUFFET (1901-1985), la Dame blanche, 1952

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Biscuits, expo Manufacture de Sèvres

Suite des chroniques du blog Histoires d’universités sur les faïenceries au 18ème siècle.

Partie 1. Sèvres – Manufacture et Musée nationaux. Communiqué de presse. Biscuits, exposition du 18 janvier au 1 avril 2023.

« L’exposition de soixante-dix sculptures, du XVIIIème siècle à nos jours, met en lumière la variété, la finesse et la virtuosité du modelé des biscuits de Sèvres, qui participent à la légende de la Manufacture.

Inventé en 1752 à Sèvres pour se démarquer des autres productions de Meissen en Saxe ou de Chine, émaillées et peintes, le biscuit désigne une pâte de porcelaine qui, contrairement à ce que laisse supposer son nom bis-cuit ou cuit deux fois, ne subit qu’une seule cuisson à haute température et ne reçoit ni émail ni décor. Le terme dérive de l’italien biscotto qui, dans les faïenceries italiennes de la Renaissance, désignait la pâte avant cuisson dont l’aspect épais et grumeleux rappelait sans doute la pâte à biscuit des pâtissiers.

Cette invention, révélant la blancheur de la matière et les détails les plus fins qui ne sont plus aplanis par la couche d’émail, rencontre rapidement le succès auprès de membres de la Cour et incite l’institution à développer cette production. Réalisation du modèle en argile crue, travail du plâtre pour confectionner des moules, nouvelle technique de moulage par estampage et contrôle de la cuisson délicate de la porcelaine à sa plus haute température révélant cet effet unique évoquant le marbre blanc : la technique est encore à l’œuvre dans les ateliers de la Manufacture.

Depuis 1740, Sèvres – Manufacture et Musée nationaux préserve, enrichit et révèle un patrimoine matériel et immatériel unique au monde. Lieu de vie hors du commun, Sèvres célèbre la passion de la matière, le respect des gestes séculaires des artisans céramistes et la beauté des œuvres d’art qui traversent les âges. Maison de création, de transmission et d’inspiration, Sèvres offre des expériences singulières à vivre, à partager et à offrir.

Le décor de la table bénéficie tout particulièrement de ce renouveau de la sculpture à Sèvres et les biscuits, en compositions de plusieurs éléments, de la simple paire faisant échos à la symétrie alors en vogue dans les décors Rocaille au plus large surtout, mettent en scène les nouvelles salles à manger. Ces nouveaux objets décoratifs et la pratique des cadeaux diplomatiques sous les règnes successifs de Louis XV et Louis XVI vont, dès lors, largement participer à la grande diffusion des biscuits à travers l’Europe, à leur reprise par les différentes manufactures européennes et à l’association durable du biscuit au goût et au savoir-faire français dans les arts décoratifs.

L’exposition Biscuit(s) réunit un groupe de figures emblématiques créées à Sèvres du XVIIIème siècle à aujourd’hui : elle présente ainsi le travail d’artistes illustres du siècle des Lumières, membres de l’Académie royale et amenés à diriger les ateliers de la Manufacture : les sculpteurs Jean-Jacques Bachelier, Étienne Maurice Falconet ou Louis-Simon Boizot et des biscuits reproduits d’après des gravures du peintre François Boucher« . Chronique du blog Histoires d’universités : François Boucher, 30 ans en 1733.

Exposition Zu Tisch! Die Kunst des guten Geschmacks, Alte Sammlung, Sarrebruck, 2022

Partie 2. Le bouquet de Delphine (1787). Chronique d’Histoires d’universités

Le bouquet de Delphine de Sabran (1770-1826), Manufacture de Niderviller, 1787. Matière et technique : porcelaine, modelage, assemblage, pastillage, biscuit. Musée du Pays de Sarrebourg. Diaporama de 11 photos.

Histoire de la Faïencerie de Niderviller (1735-1793). « Le biscuit est une porcelaine, tendre ou dure, cuite sans glaçure à haute température (de 1200 à 1400 °C).

Créé au sein de la manufacture de Niderviller par les ouvriers, selon l’histoire orale de la manufacture, pour être offert à la Comtesse de Custine, Delphine de Sabran (1770-1826) ».

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La toile qui cache les rois mages

Quelle représentation des Rois mages publier ce 6 janvier 2023, fête de l’épiphanie ?

J’ai choisi l’Adoration des mages qui figure sur le contrefort Est de la chapelle Saint Laurent de la cathédrale de Strasbourg.

Diaporama de 24 photos

Cette chapelle est cachée par une très grande toile car elle est en travaux. Le chantier de restauration-conservation devrait être terminé en 2024, l’année de mes 80 ans. Aurai-je le bonheur d’en voir les résultats ?

Republication partielle de la chronique du 20 septembre 2021. Restaurer le portail Saint-Laurent. Journées européennes du Patrimoine, Strasbourg, Cathédrale Notre Dame, Le portail Saint-Laurent,

Pour en savoir plus : larges extraits d’un dossier de l’Œuvre Notre-Dame.

« Le portail Saint-Laurent, situé sur le côté nord de la cathédrale, est érigé entre 1494 et 1505 sous la direction du maître d’œuvre Jacques de Landshut. Ce chef-d’œuvre est un parfait exemple de l’art gothique flamboyant où s’entremêlent prouesses techniques et artistiques.

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SurréAlice. Invisible Victor Brauner ?

Deux parties dans cette chronique. 1. L’exposition SurréAlice au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (jusqu’au 26 février 2023). 2. L’exposition Victor Brauner du Musée d’Art Moderne de Paris (en 2021).

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Victor Brauner (1903-1966) est né en Roumanie. Au cours de sa vie, il a presque toujours eu une épée de Damoclès au-dessus de la tête. Opprimé, il a combattu par ses œuvres pour la liberté.

L’OFPRA (Office Français de Protection des Réfugiés) rend compte de cet acharnement. Exilé à Paris dès les années 1930, Brauner n’est naturalisé français qu’en 1963, trois ans avant sa mort.

Des œuvres de Victor Brauner sont-elles présentées dans l’exposition du MAMCS Lewis Caroll et les Surréalistes ?

Oui, 15 d’entre elles le sont ! Elles sont introduites par ce seul cartel, pauvre en information.

Les œuvres proviennent presque exclusivement de dons de la femme de l’artiste au MAMCS (en 1984 et 1988), au MAMC de Saint-Étienne Métropole (en 1987).

Première partie de l’expo : diaporama de 41 photos (œuvres, cartels, détails).

Seconde patrie : diaporama de 32 photos.

 

Les œuvres de Brauner sont présentes, mais elles sont rendues invisibles car elles sont réparties dans plusieurs salles sans lien apparent avec les thèmes de chacune d’entre elles.

Pas de mention du nom de Brauner dans le texte de présentation de l’expo (ci-dessous), dans la vidéo de 6’20. Au rez-de-chaussée du MAMCS, une quarantaine d’affiches mettant en scène les expositions organisées par le MAMCS depuis sa création en 1998 : aucune ne lui a été consacrée.

Seulement 24 mots dans le dossier de presse (25 pages) : chez Victor Brauner, l’inventaire des morphologies se définit suivant des processus d’hybridation entre corps, objets, fluides et forces invisibles… Des langues sont imaginées par Brauner.

SurréAlice : présentation sur le site du MAMCS. « L’exposition Lewis Carroll et les surréalistes présente plus d’une centaine d’œuvres, peintures, photographies, dessins, estampes mais aussi collages ou éditions couvrant la période allant de 1919 jusqu’à la fin des années 1960.

L’exposition aborde la question des changements d’échelle, des liens texte-image, de la notion de passage, de transgression et d’autorité, de la connivence des mondes animal et humain mais aussi du jeu, de cartes ou d’échecs. Elle interroge les figures d’Alice telle que les artistes femmes ont pu l’appréhender. Leur regard permet d’élargir les points de vue, à la fois sur la figure carrollienne mais également sur les représentations de la femme au sein de l’univers surréaliste.

La scénographie originale et surprenante inclut des spécimens du Musée Zoologique de Strasbourg pour incarner le bestiaire de Lewis Carroll et des surréalistes ». Quiz : Nom de ce petit animal ? Histoire de sa découverte ?

« Le préambule de l’exposition, tout aussi étonnant, a été confié à l’artiste Monster Chetwynd.

Commissariat : Barbara Forest, conservatrice en chef du Patrimoine au MAMCS et Fabrice Flahutez, professeur à l’Université Jean Monnet de Saint-Étienne et spécialiste du surréalisme ».

J’ai pu photographier en 2019 trois autres œuvres de Brauer, prêtées au Musée Wurth de Schwäbisch Hall par le Musée d’Art Moderne de Paris lors de sa fermeture pour travaux. Ce sont des œuvres de jeunesse : 1930, 1932, 1934;

Diaporama de 10 photos (3 œuvres, cartels, détails)

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Art sacré, Noël et Épiphanie

Dans ma collection de photos d’Art sacré, j’ai choisi, pour présenter, aux lectrices et lecteurs du blog, mes vœux pour Noël et l’année nouvelle, quatre évènements liés à la naissance de Jésus : la Vierge Allaitant, l’Adoration des Mages, le Massacre des Innocents, la Fuite en Égypte.

Ces quatre épisodes pris en compte par les évangélistes illustrent encore les paradoxes du monde contemporain. D’un côté, la joie de pouvoir fonder une famille et d’être respecté par les plus riches. D’un autre côté, l’horreur de la violence au quotidien, le massacre des innocent(e)s, la folie de l’exil forcé.

En février 2022, dans le seul musée des Beaux-arts de Besançon, j’ai eu l’opportunité de pouvoir photographier deux Vierges Allaitant, une Adoration des Mages, un Massacre des Innocents, trois Fuites en Égypte.

Diaporama de 26 photos (œuvres, cartels, détails). Cliquer sur les images pour les agrandir.

Le Louvre possède un tableau d’Orazio Gentileschi (vers 1628) qui associe deux des quatre scènes mentionnées : lors du repos de la Sainte Famille pendant la fuite en Égypte, la Vierge allaite Jésus..

Collections des années passées, publiées sur le blog :

Six chroniques sur la Vierge Allaitante (dite aussi la Vierge du lait, Galaktotrophousa, ou encore Madonna del latte ou Maria che allatta).

Andrea di Bartolo, dit Solario, La Vierge Marie allaitant l’enfant, vers 1507-1510, Le Louvre (photo d’octobre 2022)

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La démocratie européenne attaquée

Parlement européen, communiqué de presse, 12 décembre 2022. Déclaration de la Présidente Metsola sur les enquêtes en cours des autorités belges.

La Présidente du Parlement Roberta Metsola a délivré la déclaration suivante à l’ouverture de la session plénière à Strasbourg, ce lundi.

Chers collègues,

Je pense qu’il n’est pas exagéré de dire que ces dernières journées ont été parmi les plus longues de ma carrière. Je dois choisir mes mots avec soin, de manière à ne pas compromettre les enquêtes en cours ou à ne pas porter atteinte de quelque manière que ce soit à la présomption d’innocence.

C’est ce que je vais faire. Alors, si ma fureur, ma colère et mon chagrin ne transparaissent pas, soyez assurés qu’ils sont bien présents, tout comme ma détermination à voir ce Parlement sortir renforcé de tout ceci.

Ne vous y trompez pas.
– Le Parlement européen, chers collègues, est attaqué.
– La démocratie européenne est attaquée.
– Et notre mode de vie dans des sociétés ouvertes, libres et démocratiques est attaqué.

Les ennemis de la démocratie, pour qui l’existence-même de ce Parlement représente une menace, ne reculeront devant rien. Ces acteurs malveillants, liés à des pays tiers autocratiques, auraient utilisé des ONG, des syndicats, des individus, des assistants et des membres de ce Parlement dans le but d’influencer nos processus.

Leurs projets malveillants ont échoué. Nos services, dont je suis extrêmement fière, ont travaillé depuis un certain temps avec les autorités judiciaires et les forces de l’ordre nationales compétentes pour démanteler ce réseau criminel présumé.

Nous avons travaillé main dans la main avec les autorités pour nous assurer que toutes les étapes judiciaires soient respectées, que toutes les informations utiles soient protégées et que, le cas échéant, les équipements informatiques soient sécurisés, les bureaux scellés et les perquisitions à domicile puissent être effectuées. Le week-end dernier, j’ai accompagné un juge et la police belge, comme l’exige la constitution belge, lors d’une perquisition à domicile.

Par mesure de précaution, toujours dans le plein respect de la présomption d’innocence, j’ai retiré à la vice-présidente mentionnée toutes les tâches et responsabilités liées à son rôle de vice-présidente et j’ai convoqué une réunion extraordinaire de la Conférence des présidents pour lancer une procédure au titre de l’article 21, afin de mettre fin à son mandat de vice-présidente, dans le but de protéger l’intégrité de ce Parlement.

Aujourd’hui, je devais également annoncer l’ouverture du mandat de négociation du rapport sur la libéralisation des visas avec le Qatar et le Koweït. À la lumière des enquêtes en cours, ce rapport doit être renvoyé en commission.

Je sais aussi que ce travail n’est pas terminé et que nous continuerons à aider les enquêteurs, avec d’autres institutions européennes, aussi longtemps qu’il le faudra. La corruption ne peut pas l’emporter et nous avons joué notre rôle en veillant à ce que ce ne soit pas le cas.

Et je dois être claire, les allégations ne concernent pas la gauche ou la droite, le nord ou le sud. Il s’agit de bien et de mal et je vous demande de résister à la tentation d’exploiter ce moment à des fins politiques. Ne minimisez pas la menace à laquelle nous sommes confrontés.

Je suis en politique, comme beaucoup d’entre vous ici, pour lutter contre la corruption. Pour défendre les valeurs de l’Europe. Il s’agit d’un test de nos valeurs et de nos systèmes et, chers collègues, laissez-moi vous assurer que nous ferons face à cette épreuve.

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C. Brès. Les transports amoureux

Camille Brès, Les transports amoureux, exposition personnelle à la Galerie EAST (3 décembre 2022 – 4 février 2023).

Diaporama de 21 photos : trois des œuvres exposées figurent dans mes préférences : RER, Ascenseur extérieur, Touché-coulé (cartels et détails).

12 rue du Faubourg de Pierre, au centre ville de Strasbourg. Deux raisons de s’y transporter, dans les deux mois qui viennent… à pied, à vélo, en taxi, en bus ou en tramway …

La seconde raison tout d’abord. La galerie EAST est superbe et lumineuse ; les sheds lui donnent une profondeur historique ; les murs blancs mettent en valeur les œuvres accrochées, très colorées. La première raison . Découvrir une jeune artiste, la suivre dans ses nouveaux défis et réalisations, en progression constante depuis 10 ans : peinture figurative, peinture habitée par des hommes et des femmes de plusieurs générations, peinture de la vie quotidienne, peinture qui rend optimiste et joyeux, peinture qui donne tous les espoirs de transports amoureux.

Camille est l’auteur du texte de présentation de l’exposition, texte reproduit par la Galerie. « En décembre 2021 la galerie EAST m’a proposé de concevoir une exposition personnelle pour l’année à venir. Cette invitation impliquait de produire un nouvel ensemble de gouaches sans exclure la possibilité d’en intégrer de plus anciennes. Contrairement à la manière dont je procède habituellement, j’ai voulu choisir un thème, une idée qui me servirait de fil rouge. Le choix était délicat, je souhaitais que ce thème découle naturellement de mon travail, m’amuse, m’inspire et si possible m’emmène sur de nouveaux terrains.

J’ai rapidement retenu la thématique des moyens de transport« …

Camille Brès ? Elle est peintre, diplômée en 2011 de la HEAR, Haute école des arts du Rhin. Après avoir été résidente du Bastion 14 de 2012 à 2017, elle travaille désormais au sein des Ateliers des Hautes Plaines à Strasbourg.

C’est la sixième chronique que je consacre à son œuvre sur le blog Histoires d’universités : 2013, 2015, 2016, 2017, 2021, 2022. Chacune des chroniques antérieures fait l’objet d’un lien web (cf. partie 2 ci-dessous), manière de suivre Camille dans son parcours ascendant depuis 2012. En 2013, j’ai eu un coup de cœur pour un de ses premiers tableaux, Les boxeurs. Je le lui ai acheté.

La galerie EAST ? « Manifeste pour un Art Total, elle est un imposant espace au cœur de la capitale européenne offrant une double programmation entre Art Contemporain et Arts Décoratifs. Elle poursuit l’unique ambition de ne présenter que des œuvres et objets rares, patiemment choisis ».

« En 2008, Stéven Riff a 22 ans. « Il lance sa première galerie à Strasbourg, avant de tenter sa chance à Paris, puis à Istanbul et Bologne. Quatorze ans plus tard, il revient dans la capitale alsacienne avec EAST, un espace dans lequel se côtoient art contemporain et arts décoratifs » (Serge Hartmann, DNA, 4 février 2022).

Suite du texte de Camille Brès. « J’ai rapidement retenu la thématique des moyens de transport. Ils existaient déjà dans ma peinture et cette idée stimulait mon imaginaire, réactivant au passage d’anciens projets oubliés. J’ai trouvé le titre de l’exposition dans la foulée : Les transports amoureux. Cette ancienne métaphore évoquant des sentiments passionnés s’est imposée à moi. J’ai d’ailleurs appris en écrivant ces quelques mots que métaphore vient du grec ancien metaphorá qui signifie transport… Chacune des peintures de l’exposition respecte le thème au sens propre et, finalement, il n’y a que le titre qui soit une image !

J’associe volontiers les moyens de transport à des notions positives telles que le voyage et l’indépendance mais en vérité, je les subis. Ils m’inquiètent et m’angoissent. J’imagine qu’il y a un lien étroit entre le stress que me provoquent voitures, vélos, trains, ascenseurs et le désir que j’ai de les représenter. Par ailleurs, j’aime que des outils conçus pour le mouvement et le déplacement soient les sujets principaux ou les décors de mes peintures immobiles. Depuis que j’ai un fils, la littérature jeunesse a pris une certaine place dans mes lectures et si j’ai écarté les animaux de la ferme, les dinosaures, la mythologie ou encore les volcans, il y a des chances pour que certains ouvrages de la bibliothèque de Jonas aient orienté mon choix : Le grand imagier des transports chez Gallimard Jeunesse par exemple.

 À l’instar du livre, je tenais à ce que l’exposition propose une certaine diversité de moyens de transport et, comme toujours dans mon travail, les sujets devaient provenir de mon expérience personnelle ou de mon quotidien. Partant de ce principe, je me suis mise au travail et très naturellement, sont apparus : une scène représentant ma sœur et mon fils dans un RER, une route vue au travers de mon pare brise, mon Peugeot Partner blanc sous la lune, un manège, des enfants que j’avais fait poser devant un vélo…. Tout se passait à merveille, mais aucun avion, aucun bateau ne se profilait à l’horizon. Mes transports étaient terriblement terrestres. Je n’ai en effet pas pris l’avion depuis longtemps. Grâce à ma phobie, je fais partie des gens pour qui – voyager éthique et écologiquement responsable – n’est pas un sacrifice ».

« Dès le début, je savais qu’il faudrait ruser avec les transports aériens. J’ai peint ma voisine tenant son bébé contre elle dans l’ascenseur extérieur de notre immeuble mais malgré le ciel flamboyant derrière les vitres, cela ne pouvait pas suffire. Alors sont arrivés le vaisseau Star-Wars et la soucoupe volante du manège de bord de mer ».

« Plus surprenantes ont été les difficultés que m’ont posées les transports maritimes. J’ai énormément misé cet été sur la visite du Redoutable, ancien sous-marin nucléaire transformé en attraction à la Cité de la mer de Cherbourg. L’expérience a été riche, mais n’a malheureusement provoqué aucune peinture. À moins qu’elle n’ait eu un rôle dans l’élaboration de la gouache Touché-Coulé : le sous-marin de cette bataille navale est peut-être un Redoutable miniature ».

« Mes toutes premières gouaches, en 2018, étaient des affiches peintes annonçant des évènements imaginaires. J’ai repris ce principe en peignant l’affiche de l’exposition, cette fois ci, bien réelle !

Sous le titre et les divers renseignements on reconnait un intérieur de voiture. Le point de vue est celui d’un passager arrière, spectateur d’un geste tendre entre la personne qui conduit et celle assise à la place du mort. L’autoradio semble afficher un rythme cardiaque agité. Ce sont des amoureux dans un moyen de transport amoureux« .

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De Boissieu (1736-1810), graveur

Jean Jacques De Boissieu (1736-1810), un graveur lyonnais génial.

2 décembre 2022. Visite guidée du fonds De Boissieu au Cabinet des Dessins et des Estampes de Strasbourg par Aude-Marie Fritz, médiatrice au musée des Beaux-arts, et Florian Siffer, responsable du CDES.

Prochaine visite guidée : janvier 2023.

Diaporama de 44 photos (œuvres, cartels, détails).

Jean Jacques de Boissieu, autoportrait, 1796

Partie 1. Des prédécesseurs de De Boissieu : le comte de Caylus (1692-1765) et Edme Bouchardon (1698-1762) : un dessinateur et un graveur. Chronique d’Histoires d’universités (30 septembre 2020), Estampes 1737-1746. Les cris de Paris.

« Les Cris de Paris. La veine populaire, âpre et parfois à la limite de la caricature, adoptée par les artistes bolonais, fait place dans les Cris de Paris gravés d’après les dessins d’Edme Bouchardon (1698-1762) à une vision plus empreinte d’humanité. Chroniques sur Bouchardon.

Le comte de Caylus (1692-1765) est le graveur et l’instigateur de cette série, la plus ambitieuse du genre, qui regroupe cinq suites de douze estampes, publiées entre 1737 et 1746. Conjuguant observation et bienveillance à l’égard du petit peuple parisien de l’Ancien Régime, Bouchardon se garde des conventions pour rechercher au contraire le naturel des postures ».

Partie 2. Jean Jacques de Boissieu (1736-1810), un graveur lyonnais génial. Source : extraits d’un article de Wikipédia et présentations lors de la visite guidée.

« De Boissieu est un dessinateur, graveur et peintre, né le 30 novembre 1736 à Lyon. Il est le fils de Jacques de Boissieu, médecin. Il mourra à Lyon le 1er mars 1810.

Jouissant de son vivant d’un grand renom en France comme en Europe, surnommé par certains le Rembrandt français, il est considéré comme un des fondateurs de l’École lyonnaise de peinture.

Il se spécialise dans les portraits, les paysages et scènes de la vie quotidienne de la région lyonnaise. Son style se rattache, par son souci du réalisme, à l’école hollandaise.

1758 (22 ans). Très jeune, De Boissieu aurait cherché à imiter les tableaux que possédait son aïeul maternel. Il publie six feuilles de croquis à l’eau-forte : Livre de griffonnements inventés et gravés par de Boissieu.

1760. Il est en relations de correspondance avec le graveur Jean-Georges Wille. Il produit des eaux-fortes, des dessins d’une grande acuité aux crayons et des lavis. Avec des portraits expressifs, il a dessiné des paysages, soit au crayon (mine de plomb, sanguine, pierre noire), soit au lavis. Son œuvre gravée se compose de 140 planches.

1760. Vue du pont de la Guillotière à Lyon (aquarelle).

1761-1764. Boissieu parfait son éducation artistique par un séjour à Paris où il fréquente les artistes Claude Joseph Vernet, Claude-Henri Watelet« .

1763. Desmarest, Inspecteur des manufactures de la généralité de Limoges découvre dans l’Auvergne la même espèce de pierre (basalte), aussi en prismes réguliers, avec les mêmes détails curieux qu’on admirait comme un phénomène unique dans le Pavé des Géants (Irlande). De Boissieu  réalise deux  planches pour l’Encyclopédie de Diderot.

« 1765-1766 (30 ans). Boissieu part faire le traditionnel Grand Tour en Italie en compagnie de son protecteur François XII Alexandre Frédéric de La Rochefoucauld. Les deux compagnons séjournent à Rome, Gênes, Naples, où Boissieu dessine dans les musées et surtout d’après nature.

Revenu à Lyon, il poursuit son œuvre artistique avec grand succès : Goethe collectionne ses œuvres (chroniques du blog sur Goethe). Le frère du roi de Prusse vient visiter son atelier.

1767. Claude-Henri Watelete acquiert un lot d’eaux-fortes de Rembrandt qu’il admirait, et s’en inspire pour graver ses propres estampes.

Des connaisseurs d’art ouvrent leurs cabinets et galeries à de Boissieu et lui permettent de copier les tableaux de leur collection de son choix ».

1770-1772. Plusieurs portraits.Vieillard au front chauve (1770)

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Musée National de la Récupération

Deux expositions, en cours à Strasbourg, concernent la seconde guerre mondiale, l’Allemagne nazie. celle qui fait l’objet de cette chronique (Passé, Présent, Avenir d’œuvres récupérées en Allemagne en 1945), celle de la BNUS (Face au nazisme, le cas alsacien). Une autre exposition de la BNUS est un hommage à Fritz Beblo, architecte allemand, auteur de nombreux bâtiments de Strasbourg entre 1903 et 1918.

De son côté, les Dernières Nouvelles d’Alsace publient un numéro des Saisons d’Alsace, consacré aux Malgré eux. L’incorporation de force (1942-1945) : un crime contre l’Alsace-Moselle.

Partie 1. Passé, Présent, Avenir d’œuvres récupérées en Allemagne en 1945. Les MNR des Musées de Strasbourg.

Exposition du 22 octobre 2022 au 15 mai 2023, Galerie Heitz, Palais Rohan.

Diaporama de 39 photos (œuvres, cartouches, détails)

Commissariat. Thibault de Ravel d’Esclapon, maître de conférences à l’Université de Strasbourg, et Dominique Jacquot, conservateur en chef du Musée des Beaux- Arts. Deux vidéos Youtube : 2’44 et 2,20.

Partie 2. Exposition MNR. Entretien avec Paul Lang, Directeur des Musées de Strasbourg, RCF Radio Alsace, 24/10/2022. 

« Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, 61 000 œuvres et objets d’art spoliés par les nazis ont été retrouvés en Allemagne, 2200 n’ont pas été réclamés. 27 font l’objet d’une exposition à Strasbourg, jusqu’au 15 mai 2023. Des œuvres dites MNR : Musée National de la Récupération, qui appartenaient principalement à des familles juives.

Nous avons un programme d’accompagnement autour de cette explosion avec une série de conférences, de projections, de visites. C’est le fruit d’une collaboration, d’un partenariat d’associations même avec l’université de Strasbourg. Mais le point d’orgue de ce programme d’accompagnement se tiendra en juin dans le cadre d’un symposium international. C’est une exposition qui n’est pas figée parce que dans un monde idéal, à la fin de l’exposition, le 15 mai, elles devraient avoir retrouvé leurs légitimes propriétaires. Ça, c’est c’est un peu utopique puisque depuis qu’ils nous ont confié la situation est absolument inchangée, alors que d’autres œuvres classées MNR ont pu retrouver leurs propriétaires depuis 1950. Ce n’est pas encore le cas pour les œuvres confiées au Musée de la ville de Strasbourg ».

La création du monde par Melchior Bocksberger, 1570-1580

Partie 3. Rose Valland, 43 ans en 1941 (chronique du blog Histoires d’universités, 9 mars 2019).

Conférence d’Emmanuelle Polack, Rose Valland sur le front de l’art (1940-1944), organisée par Denise Borlée et Hervé Doucet, ARCHE, Faculté des Sciences Historiques, Strasbourg, 5 mars 2019.

« Travailleuse précaire devenue Femme d’exception. Une trajectoire inouïe.

Paradoxe. C’est en 1941, sous l’occupation allemande, que Rose Valland (1898-1980) obtiendra enfin un travail stable et un statut dignes de ses compétences en Histoire de l’Art. Elle n’était, durant les années 30, qu’une travailleuse bénévole.

Après son rôle décisif et internationalement reconnu dans la récupération des œuvres d’art spoliées par les Nazis, elle bénéficiera après-guerre de plus de considération de la part de la France !

Entre les deux guerres, Rose Vallant suit des formations supérieures, obtenant plusieurs diplômes prestigieux dans le champ de l’Art. Et pourtant, elle ne parvient pas à obtenir un travail rémunéré stable. En 1932 (elle a 34 ans), elle ne devient qu’attachée bénévole à la Galerie du Jeu de Paume.

1940 (42 ans). A partir du 30 octobre, à la demande du directeur des Musées nationaux, Jacques Jaujard, elle demeure en activité au Musée de Jeu de Paume, officiellement comme attachée de conservation, officieusement chargée par Jaujard de lui rendre compte des agissements des Allemands qui viennent de réquisitionner le musée pour y stocker les œuvres d’art spoliées à des collectionneurs privés.

1941 (43 ans). Rose Valland est enfin salariée et titularisée »…

Partie 4. Rose Valland, une vie à  l’œuvre.

Ophélie Jouan , Jacqueline Barthalay, Alice Buffet, Olivier Cogne (Préface) Jean-Pierre Barbier (Préface), Une vie à l’œuvre , novembre 2019, Essai.

François-Xavier Vispre (1730-1790). Nature morte aux prunes

« Rose Valland compte parmi ces discrètes et méconnues ouvrières de l’Histoire, dont l’action force l’admiration à mesure qu’on la découvre. Sa résistance est isolée et singulière : c’est pour la protection des œuvres d’art françaises privées et pour rendre justice à leurs propriétaires dépossédés que cette brillante historienne de l’art dauphinoise s’engage à partir de 1940. Le jour de ses 42 ans, l’attachée de conservation voit s’installer dans « son » musée du Jeu de Paume un service de spoliation nazi d’une redoutable efficacité, l’Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg.

Dès lors, observation, mémoire et patience deviennent ses armes pour espionner les rouages de ce pillage légal ordonné par Hitler lui-même et servi par des Allemands et des Français complaisants. Prises au péril de sa vie, les nombreuses notes clandestines de Rose composeront une importante documentation qui permettra de structurer les recherches et les restitutions de l’après-guerre ».

Anonyme (France), style Louis XV, Console d’applique

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